the First IKEA Break 15:57 21/12/2019 (mix) (paint) (depict)
制作年: 2022
素材・技法: アクリル, キャンバス
サイズ: 27.5x27.5x3.5cm triptych 三連作
エディション: 1点物、ユニーク
サイン:あり



About the Work
- 制作年
- 2022
- 素材・技法
- アクリル, キャンバス
- サイズ
- 27.5x27.5x3.5cm triptych 三連作
- エディション
- 1点物、ユニーク
- サイン
- あり
- クレジット
- © MIKI WANIBUCHI
- 額装
- なし
- 作品証明書
- あり
- 作品の販売元
- わにぶち みき|MIKI WANIBUCHI
- 発送元地域
- 大阪府
- 発送までの日数
- 2~3日
- カテゴリー
- 絵画
- スタイル
- 日常, 抽象, コンセプチュアル
Work Details
(mix)
(paint)
(depict)
CONCEPT コンセプト
2019年に受けた胃の手術後大きな意味を持つことになった「食べる」ということにフォーカスしたシリーズ、“REVIVE”。食事を記録撮影し、その食べる前・食べた後の画像を並列させ描いた作品をメインとしています。2021年からは絵画の要素を3つに分解したトリプティック(三連作)になります。
風景の記録写真をいちどデジタルで自動的にモザイク化し、それをアナログで忠実に色を再現しようと試みる。そこで塗るための色は別のキャンバスをパレット代わりにして作成する。そうすることで、色を作るという無意識的で純粋なひとつの作品(mix)が生まれる。色を塗るという無心なもうひとつの作品(paint)が生まれる。
さて、「風景から色を抽出する」という一要素だけに焦点をあてながら風景画(≒絵画)の意味を探るなかで、depict(描く、描写する)をもう一度定義できるだろうか?こうしてトリプティク(三連作)を制作しています。
絵画の要素を分解し極限までシンプルにすることで、その良さや意義のようなもの、つくった作者の身体性や存在が浮き彫りになると考えています。
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"REVIVE" is a series focused on "eating" which took on great significance after stomach surgery in 2019. It features two images of before and after the meal, arranged together in one painting. Triptych style in which the elements of a painting are divided into three is adopted from 2021.
In my creating process, the recorded photos of the scenery are digitally and automatically processed into mosaic. Then I try to reproduce the colour faithfully with analogue using paints. This is the work that comes to the centre. I use another canvas as a palette to mix and create colours for painting. This creates an unconscious, innocent body of work of “mixing colour”, and another pure body of work of “painting colour”. The third one is produced to see if we can redefine the word “depict”, while focusing on the single aspect as extracting colour from the landscape, and it ends up forming a triptych.
I try disassembling the elements and focusing on only simple ones, in a painting in which various elements are intertwined. In addition, I create a simple structure consisting of only cloth and paint to reexamine the fundamentals of painting. It’s like a scientist/chemist pursuing something. It could be a fundamental research of art.
I think there is something that stands out when you leave out the superfluous elements, even your personal feelings. It may be the meaning and interest of landscape painting, personality and physicality of the artist.
Photo and mosaic materials of making artworks
Solo Show “REVIVE ii”, 2021, gekilin.
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Artist
境界をあるく美術家
わたしは「風景から色を抽出する」という一点にだけフォーカスした、極限まで抽象化された「風景画」を描きます。それは、ITの発達した現代社会における風景の見方に対する問題提起であり、リアルとアブストラクト・アナログとデジタルの境界線を行き来しながら、誰でも簡単に記録・閲覧することができるようになった「風景」の本質に気づくきっかけとしての作品を目指します。 I paint extremely abstracted ‘landscape painting', focusing only on the single point of ‘extracting colour from the landscape’. This is a work that raises questions about the way we view landscapes in today's IT-enabled society, and aims to provide an opportunity to realise the essence of ‘landscapes’, which can now be easily recorded and viewed by anyone, while moving between the boundaries of real and abstract, analogue and digital. 実際に触れた日常の出来事や風景の記録写真をモザイクに加工し、色の情報だけを抜き出し、忠実に絵の具でドットを描いていく。実際にあるくアナログの行為、デジタルをとおして処理された情報、そしてまた自分の手をとおして再現される色。果たして「色をつくる(mix)」「塗る(paint)」「描写する(depict)」に解体された風景画は何を意味し、観賞者はそれをどのように観るだろうか。 解体され抽象化された風景画は、それを読み解く時間をかけて観る者に情報以上のものを伝えられるのではないかと思う。絵の具や帆布の物質性や筆致、作家の身体性という些細な現象を含んだうえでの別のなにか。それは、余分を削ぎ落とした絵画を前に際立つ、観る者の想像する力だ。 リアルとアブストラクト、アナログとデジタル、フィジカルとバーチャル。その境界線を行き来し、パンデミック後の私たちの「世界をあるく」手法のバリエーションを静かに検証するようでもあるが、作者の見た風景はどんなものなのかと想像するなかで、観賞者に絵の意味や自分の美の感覚、そしてまたそのひと固有の世界を思い出させる媒体としての作品になればと願う。 Photos of everyday life and landscapes are processed into mosaics, only colour information is extracted, and the dots with it are faithfully drawn with paint. But it’s supported without doubt by the analogue act of walking, the information processed digitally, and the colours reproduced by her hands. So how does the landscape painting convey the meaning of itself, which is broken down into “mix,” “paint,” and “depict,”, and how would viewers see them? She believes that the abstracted and sophisticated “paintings” can tell something more than “information” to the viewers by taking time to read and understand it. It is an information that includes minor phenomena such as the materiality of canvas, touch of paints, and the physicality of the artist. Moreover, it can be the viewer’s imagination that is embossed in front of a pared-down painting. Real and abstract, analogue and digital, physical and virtual. Crossing those boundaries, she also seems to quietly examine variations on our post-pandemic way of “walking” the world. While imagining the scenery the artist saw, I hope that the work will serve as a trigger to remind viewers of the meaning of the painting, their sense of beauty, and their own unique world.
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2021年頃から絵画の要素を(mix)(paint)(depict)の3つに分解したシリーズを制作しています。作品を “みる” ことで思考し想像する時間を創出することを大切なコンセプトのひとつにしています。絵画を制作することで社会にどういった貢献ができるのか、人々の生活のなかでどんな働きをするのか。美術の基礎研究とも言えるわたしの作品制作に、ご支援をよろしくお願いいたします。
Since around 2021, I have been producing a series in which elements of paintings are broken down into 3 parts: (mix) (paint) (decide). One of my important concepts is to create time to think and imagine by "seeing" the work. How can painting contribute to society and how does it work in people's lives? I would like to ask for your support in my artwork, which can be described as basic research in art.