Brian Robertson

ロバートソンの作品は、砂漠の風景やインターネット文化から、幾何学的抽象、シュルレアリスム、ミッドセンチュリーの静物画、日本の版画デザイン、ポストアナログ絵画、ニュー・ロマンティシズムなど、多岐にわたる影響を融合したものだ。主に自分自身を主題に、これらの影響や技法を掛け合わせながら内省的な作品を生み出している。しばしば、ウィットに富み、憧憬を帯び、どこか謎めいた表情を見せるこれらの作品は、現実と想像の双方に存在するオブジェクトやシンボルを用い、メタファーを通して複雑な物語を構築し、自画像の概念にアプローチしている。

長年にわたり高度な技術と強いコンセプトを基盤とした絵画を制作してきたロバートソンだが、近年の作品はイメージ生成の基本へと意図的に立ち返る姿勢を示している。色、質感、構図が彼の視覚言語の中心となりつつある。自伝的な要素を基盤としながらも、描かれる情景は日常の単なる再現ではない。それらは個人的に重要な瞬間—感情的あるいは心理的な転換点となる場所—から導かれており、記憶や感覚に支えられた構成として、夢のような流動性や、思い出がもつゆがみとともに展開していく。

この新作群の特徴として、表面と素材感への強い意識が挙げられる。これまで補助的だったテクスチャーは、作品の中心的役割へと昇格している。ロバートソンが「ファブリック・プリンティング」と呼ぶ精緻なプロセスでは、濡れたアクリル絵具に布を押し付け、乾燥後に取り外すことで布の織り目だけを残す。その後の「ドローイング工程」では、毛糸や糸を精密に貼り付けることで形態を描出し、さらには新たな形を暗示させる。こうして生まれる作品は、フォークアートやテキスタイルの伝統—特にキルティング—を想起させつつ、同時に現代絵画の実践にしっかりと根ざしている。

このアプローチの変化は、ロバートソンの手法のみならず、芸術的意図の変化も反映している。これらの作品は再-視、すなわち自分自身、空間、そして記憶された瞬間を再び見つめ直す行為である。複数のメディアでの長年にわたる実験を統合し、絵画の歴史と家庭的なクラフトの触覚的・物語的伝統の双方を尊重する実践へと結実している。こうしてロバートソンは、素材と記憶を通して「場所」「時間」「個人的変容」の物語を紡ぐアーティストの系譜の中に、自らを位置づけている。